Джироламо Сичиоланте да Сермонета (1521-около 1580) Сидящая женщина 1550. Холст, масло. 190x93
Джироламо Сичиоланте да Сермонета — итальянский художник, представитель стиля маньеризм. Считается, что он учился у Леонардо да Пистоя. Активная деятельность живописца протекала в Риме, его творческое наследие — это, главным образом, картины на религиозные сюжеты. Вместе с тем мастер создал несколько полотен с обнаженной женской натурой. Как правило, художники Ренессанса, желая ее изобразить, выбирали для своих работ подходящий сюжет, чаще античный — всевозможные «Венеры» (как у Тициана) или «Лукреции» (как у Лукаса Кранаха Старшего). В меньшей степени повод для написания такого рода произведений давала Библия («Сусанна и старцы», «Лот с дочерьми», «Адам и Ева»).
До конца эпохи Возрождения «внетематические» изображения обнаженной женской натуры существовали лишь в рамках профессиональных штудий мастеров. Капитолийская картина — не этюд и не набросок, сделанный с целью отточить живописную технику. Это законченное полотно, портрет реального лица, и нагота модели вносит определенные психологические «обертоны» в восприятие зрителем личности.
Якопо Бассано (около 1510–1592) Добрый самаритянин 1550. Дерево, масло. 60x42
Итальянец Якопо Бассано (настоящее имя — Якопо да Понте) приобрел первые навыки живописи у отца — провинциального художника Франческо да Понте Старшего. Бассано являлся значительным членом династии и представителем венецианской школы, возглавлял обширную мастерскую, где работали его сыновья — Франческо, Джамбаттиста, Леандро и Джироламо. Творец вошел в историю искусства как создатель жанра сельской, крестьянской сцены, пользовавшегося огромным успехом у современников и коллекционеров XVII века.
Притча о добром самаритянине была рассказана Христом в ответ на вопрос одного законника: «А кто мой ближний?» В Евангелии от Луки говорится, что на одного путника, когда он направлялся из Иерусалима в Иерихон, напали разбойники и оставили его лежать полуживым. Священник и левит прошли мимо, отведя от него взгляд, а самаритянин, традиционный враг евреев, остановился и после того, как омыл и смазал его раны, доставил в гостиницу, дав денег ее содержателю, дабы тот должным образом позаботился о пострадавшем.
Средневековые авторы, следуя «Вопросам на Евангелие», выводили иную мораль: путник олицетворял человека, покинувшего рай (Иерусалим), его одолел грех. Иудаизм (священник и левит) не спас его, но Иисус (самаритянин) принес ему спасение через Церковь (гостиница). В ранних образцах самаритянин предстает в облике Спасителя. Данная тема была популярна в христианском искусстве всех периодов. На картине путник лежит на обочине дороги, о нем заботится самаритянин, который льет масло на раны и перевязывает их.
Паоло Веронезе (1528–1588) Аллегория Мира 1551–1552. Холст, масло. 105x64
Паоло Веронезе — итальянский художник эпохи Ренессанса, представитель венецианской школы, автор многих картин в жанре аллегории. Творчество мастера завершило золотой век изобразительного искусства.
Об аллегории в искусстве можно говорить как в широком смысле, так и в узком. В сущности, всякое произведение является аллегорией, поскольку через художественные образы доносит определенные идеи. Но, кроме этого, иносказательное воплощение в живописи получили многие понятия как религиозного, так и светского содержания. Был выработан репертуар аллегорий и разработана система символов для их воплощения, созданы специальные словари и справочники, объясняющие такой визуальный «язык». Аллегорически выражены моральные и нравственные принципы (христианские добродетели, добро и зло), времена года, возрасты человека, науки.
Веронезе написал несколько картин с аллегорией Мира, помимо капитолийской, известна его поздняя работа «Триумф Венеции с аллегориями Мира и Справедливости» (1575–1577).
В системе светской аллегории фигура Мира, празднующего окончание войны, — олицетворение хорошего правления или миротворческих качеств государственного деятеля. На сей раз мастер ограничился очень небольшим числом атрибутов: героиня держит двумя руками копье, причем так, что будто нейтрализует его возможное разрушительное действие. Доспехи уже не нужны. Масличное древо и его ветвь, согласно эмблематическим справочникам XVII века, символизируют спокойное время, благоденственное царствование и возвещение мира.
Бартоломео Пассеротти (1529–1592) Двойной портрет музыкантов 1577–1579. Холст, масло. 73x59
Бартоломео Пассеротти — итальянский художник эпохи маньеризма, работавший, главным образом, в родной Болонье. В середине XVI века он жил в Риме, где был связан с мастерской Джироламо Виньолы. Вернувшись в свой город, живописец организовал собственную, под его началом трудилось много творцов. Тем самым Пассеротти оказал значительное влияние на развитие болонской школы живописи барокко.
Картина атрибутируется как портрет двух музыкантов. Между тем, о данной профессии можно смело говорить, глядя на молодого человека: у него в руках так называемый изогнутый корнет — распространенный в эпоху Возрождения духовой инструмент. Пожилой мужчина не имеет никаких «говорящих» атрибутов. Кто он и в каких отношениях находится с корнетистом? Наставник или, быть может, его отец? Как бы то ни было, на их лицах можно разглядеть некую печать принадлежности к музыкальному «цеху» — печать, которую, как известно, несут на себе представители разных профессий и сфер деятельности.
Лодовико Карраччи (1555–1619) Портрет молодого человека 1583–1585. Холст, масло. 34,5x28,5
Карраччи — большая династия итальянских художников. Лодовико, ярчайший представитель болонской школы, в своих многочисленных поездках изучал творчество великих итальянских мастеров. Он был хорошо знаком с достижениями портретной живописи лидировавшей в то время венецианской школы. Наиболее продуктивные годы автора — 1585–1595. Около 1585 его братья, Аннибале и Агостиньо, основали в Болонье Академию вступивших на правильный путь, дав название целому художественному направлению — болонский академизм. Они придали совершенно новое значение понятию «академизм», начав переоценку современных течений на основе традиций рисунка и колорита мастеров Возрождения.
Данный портрет, хотя и не принадлежит к основному вектору творчества живописца, дает ясное представление о его таланте. Произведение лирично: зритель видит молодого человека в несколько меланхолическом настроении. Можно только гадать, о чем или о ком он думает. Карраччи не стремится к резким контрастам, наоборот, в работе преобладают оттенки одного, трудного для любого художника цвета — серого.
